Artistes par nom de famille : i, j, k et l.

talleen hacikyan

Talleen Hacikyan, née en 1959 à Montréal, est une artiste visuelle, graveure et éducatrice en art active depuis plus de trente ans. Elle est diplômée en anthropologie de l’Université McGill et en arts visuels et pédagogie de l’Université du Québec à Montréal. Elle est membre de l’Atelier Circulaire depuis 1985, où elle enseigne et se spécialise dans la gravure non toxique.

Sa pratique privilégie la collagraphie, qu’elle décrit comme intuitive et ludique, mais inclut aussi le monotype, la linogravure et la sculpture imprimée. Elle utilise des matériaux comme des feuilles, des légumes ou du bois gravé pour construire des récits visuels liés à l’identité humaine et à la nature.

Elle a participé à plus de 80 expositions au Canada et à l’international, notamment aux États-Unis. Elle a reçu le Prix Loto-Québec, le Prix Pierre-Henry (Pratt & Whitney Canada) et le Speedball Purchase Award. Ses œuvres figurent dans de nombreuses collections publiques et privées.

John Heward

John Heward (1934–2018), né à Montréal, est un artiste autodidacte reconnu pour son travail en peinture, sculpture, gravure, performance et musique improvisée. Diplômé en littérature anglaise et histoire de l’Université Bishop’s, il est également le neveu de la peintre Prudence Heward. Il a marqué la scène artistique contemporaine par une pratique intuitive de l’abstraction, alliant gestes bruts, matériaux simples et dispositifs installatifs.

Il a tenu plus de 40 expositions individuelles, notamment à Paris, Atlanta, Calgary et Toronto, et participé à de nombreuses expositions collectives au Canada et aux États-Unis. Ses œuvres ont été exposées au Musée des beaux-arts de Montréal, au Musée national des beaux-arts du Québec et au Centre culturel canadien à Paris.

En 2012, il reçoit le prestigieux Prix Paul-Émile-Borduas pour l’ensemble de son œuvre. Héritier d’une génération d’artistes explorant la frontière entre image et son, John Heward laisse une empreinte profonde sur l’art contemporain québécois et canadien.

Flux 3

2014 | 120 x 80 cm | Eau-forte et chine collé

paul hichin

Paul Hichin, né en 1941 à Codsall, en Angleterre, s’installe en France en 1962 après avoir étudié à la Birmingham School of Fine Arts (1958–1961). Il se spécialise dans la gravure au burin et la manière noire, développant une esthétique minimaliste profondément marquée par un grave accident de voiture survenu dans sa jeunesse, qui lui a laissé des troubles visuels permanents.

À la fois artiste et scénographe, il a collaboré avec d’importantes figures du théâtre telles que Roger Planchon, Jean-Louis Martinelli et Henri Ronse. Sa pratique de l’estampe explore la mémoire, le corps humain et l’héritage de la guerre. Parmi ses séries majeures figurent Set in Copper (1991) et Traces and Whispers from Emptiness (2002), exposées en France, notamment au Musée de la Résistance à Grenoble.

En 1982, il cofonde l’URDLA à Villeurbanne, un centre dédié à l’estampe contemporaine, où il continue de contribuer à une approche collaborative et novatrice de l’art imprimé.

céline huyghebaert

Céline Huyghebaert s'intéresse aux points de rencontre entre arts visuels et littérature à travers des projets d’écriture, de publication, d’exposition et de collaboration. Elle utilise une variété de techniques pour raconter des histoires à la croisée du documentaire et de la fiction : les procédés d'impression traditionnels et numériques, l'écriture, la photographie, le montage, mais aussi des outils plus sociologiques comme l'enquête, l'entrevue ou la recherche d'archives. Elle travaille particulièrement avec des gestes collectifs et des matériaux pauvres, comme du papier, des photocopies et des risographies.

Elle a eu la chance de recevoir plusieurs reconnaissances prestigieuses ces dernières années, comme la Bourse Claudine et Stephen Bronfman en art contemporain pour sa pratique artistique (2019), le Prix littéraire du gouverneur général pour Le drap blanc (Le Quartanier) (2019) ou le prix Artiste dans la communauté pour le projet « De tous nos corps », mené avec des personnes ayant reçu un diagnostic de cancer (2023). Elle a obtenu une maîtrise en littérature et un doctorat en arts visuels à l'UQAM qui a été soutenu par la bourse CRSH Vanier. Elle poursuit actuellement un postdoctorat entre le Québec et la France, qui implique la création d'un nouveau livre et d'une exposition autour de la représentation de la douleur.

Carmen Isasi

Carmen Isasi, née en 1958 à Bilbao et résidant à Madrid depuis 1993, est une artiste visuelle pluridisciplinaire dont la pratique mêle peinture, gravure, dessin, collage, photogravure, installations sonores et vidéo. Diplômée en Beaux-Arts de l’Université du Pays Basque, elle a complété sa formation à Madrid par un master en Esthétique et Théorie de l’Art, et a participé à plusieurs ateliers du Círculo de Bellas Artes.

Elle explore les liens entre mémoire collective et identité, s’inspirant autant de l’histoire de l’art espagnol que des enjeux sociaux contemporains. Son travail se distingue par sa finesse de composition, son usage subtil de la couleur et son ouverture à l’expérimentation technique.

Depuis les années 2010, elle expose régulièrement en Espagne et à l’étranger, notamment en Europe et en Amérique latine. Son œuvre attire un public varié et participe activement au renouvellement de la scène artistique ibérique.

maria jankovic

Maria Jankovics est une artiste visuelle née en 1949 à Budapest, en Hongrie, et installée à Montréal (Québec) depuis plusieurs décennies. Elle est diplômée en arts plastiques de l’Université Concordia de Montréal, où elle a acquis une formation approfondie en arts visuels.

Depuis 1985, elle a participé à plus de 134 expositions individuelles et collectives, témoignant d’une carrière soutenue et engagée dans la scène artistique québécoise. Son travail a été présenté dans de nombreuses Maisons de la culture, dont la Maison Meunier, la Maison de la culture Mercier, la Maison de la culture Notre-Dame-de-Grâce et la Maison de la culture de Gatineau.

Son œuvre, souvent marquée par une sensibilité fine aux formes et aux textures, explore la mémoire, le corps et l’identité à travers des techniques variées, notamment la gravure et l’estampe. En 2005, elle était toujours active à Montréal, poursuivant son engagement dans les arts visuels.

Saskia Jetten

Originaire des Pays-Bas, Saskia Jetten est une artiste en arts visuels spécialisée en estampe contemporaine. Elle vit aujourd’hui en Colombie-Britannique, au Canada, où elle poursuit sa pratique artistique tout en participant activement à la scène internationale de l’estampe. Son travail a été présenté dans de nombreuses expositions individuelles et collectives en Europe, au Canada, aux États-Unis et en Chine, confirmant ainsi la portée internationale de sa démarche créative.

En 2012, elle a reçu le Prix Atelier-Galerie A. Piroir lors de la Biennale internationale d’estampe contemporaine de Trois-Rivières (BIECTR), l’un des événements majeurs consacrés à l’estampe au Québec. Elle est également lauréate du prix Grafiek Nu 10 aux Pays-Bas, soulignant la reconnaissance de son travail dans son pays natal. Son œuvre explore souvent la répétition, les structures organiques et les textures, traduisant une réflexion subtile sur le vivant et la transformation.

 François Jeune

François Jeune est un artiste visuel français né en 1951 à Boulogne-Billancourt. Il est reconnu pour sa contribution majeure à l’abstraction contemporaine en France. Formé à l’École nationale supérieure des beaux-arts de Paris, il commence à exposer dès les années 1980 et devient une figure importante du mouvement néo-géométrique en Europe.

Sa démarche se distingue par une exploration rigoureuse de la couleur et de la structure, dans une tension constante entre rationalité et sensation. Ses œuvres sont souvent composées de trames, de lignes vibrantes et de surfaces modulées qui interrogent la perception. François Jeune a été exposé dans de nombreuses institutions majeures, dont le Centre Pompidou et le Musée d’Art Moderne de Paris, et ses œuvres font partie de collections publiques en France et à l’international.

 Harlan Johnson

Harlan Johnson est un artiste et graveur américain né en 1965. Il vit et travaille au Québec depuis le début des années 2000. Titulaire d’un baccalauréat en beaux-arts de l’Université d’État de l’Ohio et d’une maîtrise en gravure de l’Université du Wisconsin, Johnson s’est distingué par une pratique alliant humour, symbolisme et un dessin expressif rigoureux.

Ses œuvres, principalement des gravures sur bois, eaux-fortes et dessins, traitent souvent de l’absurde, du quotidien et de la condition humaine. Elles ont été exposées dans plusieurs galeries au Canada et aux États-Unis, notamment à Montréal, Québec, Chicago et New York. Il a aussi enseigné les arts imprimés dans diverses institutions canadiennes et participe activement à la communauté de la gravure contemporaine.

lucie jolicoeur-côté

Lucie Jolicoeur-Côté est une artiste en arts visuels établie à Montréal. D’abord active dans le dessin et la peinture, elle s’oriente vers la gravure au début des années 1990. Attirée par les possibilités expressives de l’eau-forte, elle suit une formation spécialisée au Centre Saidye Bronfman, puis se perfectionne à l’école de gravure d’Urbino, en Italie.

Son œuvre, empreinte de poésie et de rigueur formelle, s’inscrit dans une démarche d’exploration de la matière et du trait. Elle est membre de l’Atelier Circulaire ainsi que du regroupement ARPRIM.

Elle participe régulièrement à des expositions au Canada et à l’international, et ses œuvres font partie de plusieurs collections publiques et privées, dont celles de Bibliothèque et Archives nationales du Québec et de la Ville de Montréal.

Broderies d'étoiles

2015 | 55.9 × 39.4 cm | Eau-forte, chine et plaque découpée | 10 exemplaires

 Julianna Joos

Julianna Joos est une artiste en arts visuels, professeure et chercheuse basée à Montréal. Détentrice d’un baccalauréat en beaux-arts de l’Université Concordia et d’une maîtrise de l’Université du Québec à Montréal (UQAM), elle enseigne les arts plastiques au Collège Dawson depuis plus de vingt ans.

Sa pratique artistique se concentre sur la gravure contemporaine, le textile, la photographie et le livre d’artiste. Elle explore les notions d’identité, de mémoire et de narration à travers des œuvres hybrides combinant techniques traditionnelles et technologies numériques.

Elle a participé à de nombreuses expositions collectives et individuelles au Canada, en Europe, en Amérique du Sud et en Asie. Ses œuvres font partie de collections privées et publiques, notamment à Bibliothèque et Archives nationales du Québec, au Musée des beaux-arts de Sherbrooke et à la Collection Loto-Québec.

harold klunder

Né aux Pays-Bas en 1943, Harold Klunder immigre au Canada en 1952. Il s’installe à Toronto où il poursuit sa formation artistique au Central Technical School dans les années 1960. Sa première exposition solo, en 1976, marque le début d’une carrière soutenue en peinture contemporaine.

Klunder développe des œuvres denses et expressives, réalisées sur plusieurs années. Sa pratique picturale explore des thèmes liés à l’identité, à la mémoire, à la biologie, à la temporalité et à la psychologie. Depuis plusieurs années, l’autoportrait constitue un fil conducteur dans sa démarche, où chaque toile devient une introspection visuelle.

Reconnu au Canada comme à l’étranger, il est représenté dans plusieurs collections majeures : la Galerie nationale du Canada, le Musée des beaux-arts de Montréal et la Art Gallery of Ontario.

 Peter Krausz

Né en 1946 à Brașov, en Roumanie, Peter Krausz immigre au Canada en 1970 après avoir quitté l’Europe de l’Est pour fuir le régime communiste. Il s’installe à Montréal, où il développe une carrière d’artiste visuel marquée par une réflexion profonde sur l’histoire, l’exil et la mémoire.

Diplômé de l’Institut des beaux-arts de Bucarest, Krausz enseigne à l’Université de Montréal, puis à l’Université Concordia où il a été professeur au département des arts visuels. Son travail, à la frontière de la figuration et de l’abstraction, s’inspire souvent des paysages méditerranéens et des traumatismes historiques du XXe siècle.

Ses œuvres ont été exposées dans de nombreuses galeries et musées, notamment au Musée national des beaux-arts du Québec et à la Galerie de l’UQAM. Elles figurent également dans plusieurs collections publiques et privées au Canada et à l’étranger.

 Serge Lafortune

Né à Montréal en 1952, Serge Lafortune est un artiste visuel québécois reconnu pour sa pratique de l’estampe, de la photographie et de l’installation. Diplômé de l’Université du Québec à Montréal (UQAM) en arts visuels, il s’implique activement dans le milieu artistique dès les années 1980. Il a notamment été membre de l’Atelier Graff, un centre de production et de diffusion en arts imprimés.

Son travail interroge les rapports entre mémoire, trace et transformation. Par une approche souvent conceptuelle, Lafortune explore les limites du médium imprimé et son interaction avec l’espace.

Ses œuvres ont été présentées dans de nombreuses expositions individuelles et collectives au Québec, au Canada et à l’international. Elles figurent également dans des collections publiques importantes, dont celles du Musée national des beaux-arts du Québec et du Musée d’art contemporain de Montréal.

Janne laine

Né en 1970, Janne Laine vit et travaille à Tampere, en Finlande. Il est reconnu pour sa maîtrise exceptionnelle de la gravure, acquise au sein du Graphic Studio Himmelblau, où il a travaillé plus de 25 ans et a obtenu le statut de maître graveur en 2006. Sa pratique artistique est marquée par une exploration poétique des paysages, souvent empreints de silence et de mystère.

Il a participé à des expositions collectives dans environ 40 pays, et a présenté plus de 50 expositions individuelles, notamment en Finlande, en Islande, en Suède, en Norvège, au Canada, en Belgique et en Corée du Sud. Ses œuvres se retrouvent dans de nombreuses collections publiques et privées à l’international. Janne Laine a reçu plusieurs distinctions au cours de sa carrière, dont un prix à la Biennale internationale d’estampe contemporaine de Trois-Rivières, soulignant la portée internationale et la finesse de son travail.

norman laliberté

Norman Laliberté est un artiste multidisciplinaire né à Worcester, Massachusetts, en 1925, de parents canadiens-français. Il a grandi à Montréal avant de poursuivre ses études à l’Institute of Design de Chicago et à l'Illinois Institute of Technology. Reconnue pour sa grande diversité, sa carrière a embrassé la peinture, la sculpture, les installations et les arts graphiques.

Il s’est fait connaître internationalement en tant que directeur artistique de l’Expo 67 à Montréal, événement marquant pour les arts visuels au Canada. Laliberté a exposé dans plusieurs musées prestigieux, dont le Museum of Modern Art (MoMA) et le Smithsonian. Son style, souvent coloré et symbolique, s’inspire des arts populaires, de la spiritualité et du langage visuel universel.

Son œuvre foisonnante, marquée par une exploration constante des matériaux et des symboles, demeure une référence majeure dans le paysage artistique nord-américain. Il est décédé en 2021 à l’âge de 95 ans.

 Nancy Lambert

Nancy Lambert est une artiste québécoise née en 1958. Diplômée de l’Université Laval en arts visuels, elle développe depuis les années 1980 une pratique centrée sur la gravure, le dessin et les techniques mixtes. Son travail explore les rapports entre corps, mémoire et empreinte, à travers des formes épurées et des textures délicates.

Elle est membre de l’Atelier Circulaire à Montréal et a participé à de nombreuses expositions collectives et individuelles au Canada, en Europe et en Asie. Ses œuvres figurent dans plusieurs collections publiques, dont celles du Musée national des beaux-arts du Québec, de la Bibliothèque et Archives nationales du Québec, ainsi que de la Ville de Montréal.

Nancy Lambert est également active dans l’enseignement des arts visuels et l’animation d’ateliers de création. Son travail, à la croisée du sensible et du conceptuel, propose une réflexion poétique sur le passage du temps et les traces laissées par l’humain.

michel lancelot

Michel Lancelot est un artiste visuel et graveur québécois reconnu pour son approche expérimentale de l’estampe. Né à Montréal, il a étudié à l’École des beaux-arts de Montréal avant de poursuivre sa formation à Paris, notamment à l’Atelier 17, fondé par Stanley William Hayter, un lieu emblématique de l’innovation en gravure. Son œuvre, caractérisée par une recherche constante sur la matière et les procédés d’impression, se déploie entre abstraction lyrique et figuration symbolique.

Depuis les années 1970, il a exposé dans de nombreux centres d’artistes et galeries au Canada, en France et en Belgique. Ses œuvres font partie de collections publiques telles que celles du Musée national des beaux-arts du Québec et de la Bibliothèque et Archives nationales du Québec. Membre de l’Atelier Circulaire, il a également contribué à la formation de jeunes artistes par ses ateliers et conférences. Son parcours allie exigence technique et poésie visuelle.

guy langevin

Guy Langevin est un artiste québécois né en 1954 à Lac-Mégantic. Formé en arts visuels à l’Université Laval, il se spécialise dans l’estampe, en particulier la lithographie et la mezzotinte. Membre actif de plusieurs ateliers, dont l’Atelier Circulaire à Montréal et Engramme à Québec, il développe depuis les années 1980 une œuvre sensible et raffinée, centrée sur la figure humaine et l’introspection.

Ses estampes, réalisées avec une grande maîtrise technique, explorent des thématiques liées au corps, au silence, au temps qui passe, et à la mémoire. Il a participé à plus de 300 expositions collectives et individuelles dans plus de 30 pays. Son travail a été primé à de nombreuses biennales internationales d’estampe (Pologne, Chine, Taïwan, Japon, etc.). Les œuvres de Guy Langevin figurent dans plusieurs collections publiques au Canada et à l’étranger, notamment celles du MNBAQ, de la BAnQ et du Musée de Gravelines en France.

 Danielle Lanteigne

Originaire de Saint-Jérôme (Laurentides), Danielle Lanteigne est une artiste peintre québécoise formée à l’Université Concordia à Montréal. Dès son enfance, elle explore l’huile de manière autodidacte, développant une pratique fondée sur l’observation sensible du quotidien. Chaises, ouvertures, tables deviennent chez elle des figures vibrantes, témoins silencieux de l’espace vécu.

Lauréate du Grand Prix du Conseil de la culture des Laurentides en 1992, elle poursuit depuis une démarche axée sur la tension entre rigueur géométrique et spontanéité expressive. Sa maîtrise des contrastes chromatiques, des textures et des plans spatiaux révèle une sensibilité de coloriste affirmée. Elle transforme des objets familiers en présences presque animées, leur conférant une poésie discrète et un souffle nouveau.

Influencée par plusieurs figures majeures de l’art québécois, Danielle Lanteigne développe un langage visuel unique, traversé par la matière, la lumière et l’élan vital de la couleur. Son œuvre est exposée régulièrement au Québec et au Canada.

Jean-pierre larocque

Né à Montréal en 1953, Jean-Pierre Larocque suit une formation en dessin et en gravure à l’Université du Québec à Montréal au cours des années soixante dix. Plus tard il se consacre à la céramique qu’il étudie à l’Université Concordia pour ensuite obtenir une maîtrise de l’université Alfred de New York.

Ayant vécu et enseigné aux États-Unis pendant une dizaine d’années, l’artiste entreprend également de nombreux voyages en Europe et en Asie. Ses œuvres font parti de nombreuses collections publiques et privées en plus d’être exposées régulièrement en Amérique du Nord. L’exposition solo Trapping Shadows a inauguré le nouveau Gardiner Museum of Ceramics de Toronto en 2006. Jean-Pierre Larocque réside et travaille à Montréal.

christiane léaud

Afrique, Europe, Amérique : ces trois continents jalonnent la vie de Christiane Léaud, aujourd’hui artiste installée à Montréal, où elle vit et travaille.

Ses premières productions artistiques furent des batiks sur soie (panneaux et foulards), créés lors d’un séjour de deux ans à New York. Professeure de lettres (français, latin) au collège Jean-de-Brébeuf, elle a publié une série de cahiers pédagogiques intitulée À l’œuvre ! Un regard sur la littérature, dédiés à l’analyse de textes littéraires pour les élèves du secondaire (1 à 5). En parallèle, plusieurs de ses poèmes ont été publiés dans la revue Liberté.

En 2018, Christiane Léaud publie Lunaisons, une suite poétique enrichie par les encres de Rita Ezrati. Elle réalise également une exposition de collages, Relier ce qui est disjoint, à l’atelier-galerie Alain Piroir (Montréal). En 2021, elle diffuse Futur Antérieur, un livre-objet réunissant poèmes et reproductions de collages, dont les œuvres originales forment une exposition autonome. Enfin, Robert et moi (automne 2020) se présente comme une exposition événement, rassemblant plus d’une quarantaine de collages (dont une douzaine de grand format) à la croisée des arts visuels et de la littérature.

Hélène Latulippe

Hélène Latulippe est une artiste canadienne établie à Montréal. Elle a étudié le design industriel et depuis 2012 détient un baccalauréat en beaux-arts de l’Université Concordia à Montréal. 

Depuis, elle se concentre principalement sur les Arts visuels. Elle a aussi étudié en France et en Italie. 

 Elle a présenté plusieurs expositions individuelles et de groupes notamment  à Calgary, Toronto, au Royaume-Uni et en Norvège. Elle a été artiste invitée en Norvège, Montréal et au Banff Center for the Arts and Creativity comme résidente indépendante au Leighton Colony Artists Studios, dans le cadre du Programme du Conseil des arts et des lettres du Québec – Résidences d’artistes et d’écrivains québécois au Banff Centre. 

Elle est boursière du Conseil des arts et des lettres du Québec (CALQ) et de l’Université McGill à Montréal. Elle est lauréate de la 9e Biennale internationale d’Estampe contemporaine de Trois-Rivières pour la qualité de son travail et Artiste professionnelle 2014, ville de Montréal - arrondissement de Lachine.

 Son travail fait déjà partie de plusieurs collections publiques et privées, dont Air Canada, Banque Nationale du Canada, Concordia University ainsi que des bureaux d’avocats, d’architecture et de design

Traces

2012 | Triptyque, 76 x 228 cm | Pointe sèche

René Laubiès

René Laubiès est né en 1924 à Saigon où il a également passé son enfance. Suite à des études en droit au Maroc, il s’installe à Paris en 1949. Voué à la peinture depuis l’adolescence, l’œuvre de l’artiste sera exposée, reconnue et primée dès les années 1950.

Menant une existence de nomade pendant plus de trente ans, René Laubiès a partagé sa vie entre Paris et l’Inde, où il a créé la majorité de ses œuvres, en plus de voyager en Grèce, en Iran et en Turquie. Les créations de l’artiste, abstractions épurées et lumineuses, sont souvent influencées de philosophie orientale. Il est décédé à Mangalore, Inde en 2006.

jean-claude Le Floch

En cours construction…

lionel le glues

travail en cours

le marseillais

travail en cours

janine leroux-guillaume

travail en cours

Roy Lichtenstein

Roy Lichtenstein est né le 27 octobre 1923 à Manhattan. Connu pour ses tableaux représentant des bandes dessinées, le travail de Lichtentstein s’inscrit dans le mouvement du pop art. Ses oeuvres empruntent le style BD, mais le contenu parodie le genre avec beaucoup d’humour. Sa technique par excellence est l’emploi exagéré des points Ben-Day, un genre de pointillisme propre à l’impression de bande dessinée qui, en superposant des points de couleurs l’un sur l’autre, crée des couleurs secondaires. Son style, inévitablement influencé par la culture de la publicité américaine, est selon lui de la peinture industrielle plutôt que de la peinture américaine.

En 1951, sa première exposition solo a lieu à la galerie Carlebach à New York. Dans les années 1960, ses toiles sont exposées à la galerie Leo Castelli à New York aux côtés d’Andy Warhol, Jasper Johns et de James Rosenquist.

Liechtenstein obtient une maîtrise en arts visuels de l’université de l’état d’Ohio en 1949 et obtient ensuite un poste de professeur à la même école. Il y reste 6 ans et revient à New York pour poursuivre sa démarche artistique.

L’artiste est décédé le 29 septembre 1997 à Manhattan.

jean-claude lussier

travail en cours

Artistes par nom de famille : m, n, o et P.

 M

En cours construction…

David Maes

Né au Canada d’une mère canadienne et d’un père hollandais. En 1987, il s’installe en France, où il amorce une nouvelle étape de sa démarche artistique.

Peintre de formation, il découvre la gravure peu après son arrivée à Paris, en intégrant l’atelier Lacourière-Frélaut. Très vite, son talent est reconnu : en 1990, il obtient une bourse du Ministère des Affaires culturelles du Québec, ainsi que le Prix du jury du Space Group of Korea à Séoul et une mention spéciale au Prix Lacourière à Paris.

L’année suivante, en 1991, la Fondation Grav’x à Paris le distingue à son tour. En 1992, il est sélectionné comme pensionnaire à la Casa de Velázquez à Madrid. Ce séjour marquera profondément son œuvre, influencée dès lors par les lumières et les contrastes du Sud. Il y demeure jusqu’en 1994.

En 1993, il reçoit une mention honorifique dans le cadre du Prix National de la Gravure à Madrid, puis, en 1994, le Prix du jury de la Troisième Triennale Mondiale d’Estampes de Chamalières. La même année, il quitte Madrid pour s’installer en région parisienne, avant de poser ses valises dans le sud de la France, près de Nîmes.

Les œuvres de David Maes ont intégré de nombreuses collections publiques, dont celles d’Air Canada (Montréal), du Musée Picasso (Antibes), de la Bibliothèque nationale de France, de la Calcografía Nacional (Madrid), du Musée national des beaux-arts du Québec, de la Ville de Montreuil, de Bibliothèque et Archives Canada (Ottawa) et de la Bibliothèque nationale du Québec.

françois-xavier marange

travail en cours

marcel marien

travail en cours

 Lauréat Marois

En cours construction…

pierre martin dit egide

travail en cours

Roberto Matta

Roberto Sebastián Antonio Matta Echaurren est né le 11 novembre 1911 à Santiago au Chili. Son nom figure parmi les plus importants contributeurs du mouvement surréaliste et expressionniste au Chili.

Il a réalisé ses premières études en architecture à la Pontificia Universidad Católica de Chile, mais a abandonné ses études pour s’installer à Paris en 1933. Pendant ses voyages en Europe, il côtoya Arschile Gorky, René Magritte, Salvador Dali, André Breton et Le Corbusier.

On le connait bien pour ses «inscapes», des toiles qui cherchent à donner forme à la psyché humaine. Il s’inspirait d’ailleurs des écrits de Freud et de l’idée que l’espace psychique existe en trois dimensions. Plus tard, ses oeuvres reflètent l’état du monde politique des années 1940 et 1950 et l’on constate l’apparition de machineries et de figures affligées.

Roberto Sebastián Matta est décédé à l’âge de 91 en Italie.

Oeuvre l’instant

1977 | 65 x 50 cm | Aquatinte et eau-forte

Nid de Noeds

1979 | 67 x 52 | Aquatinte et eau-forte

sebastian matta

travail en cours

Jean mcewen

Jean McEwen est né à Montréal en 1923 et décédé dans la même ville en 1999. Encouragé par Paul-Émile Borduas, McEwen a parfait sa maîtrise de la peinture et de l’estampe à Paris et à Montréal, sous l’influence d’artistes comme Jackson Polock, Mark Rothko et Jean-Paul Riopelle. Son travail a été exposé dans de nombreuses villes, dont Montréal, Toronto, New York, Paris et Londres. Certaines de ses œuvres figurent dans des collections publiques d’importance, comme celle du Musée des beaux-arts du Canada. McEwen a été récipiendaire du Prix Paul-Émile Borduas en 1998. 

claude mercier

travail en cours

jean messagier

travail en cours

 Yves Millet

En cours construction…

 Molina

En cours construction…

 David Moore

En cours construction…

swann morin

travail en cours

Martin Müller-Reinhart

Martin Müller-Reinhart est né à Soleure, Suisse en 1954. Il a travaillé à Paris de 1977 à 2009. Utilisant aussi bien la peinture que la gravure ou la sculpture, son œuvre se développe autour de plans et de lignes qu’il agence de manière à créer un espace virtuel, lieu de rencontre de tous les possibles.

L’artiste compte parmi ses oeuvres plusieurs installations d’envergure qui créent des espaces sobres de silence et de méditation à l’intérieur d’églises et d’espaces publics. Il a notamment investi la chapelle Saint Louis de la Salpetrière à Paris en 1989 et l’église du Gesù à Montréal en 2009.

 Münch

En cours construction…

marc-antoine nadeau

travail en cours

georges nadra

travail en cours

 Johny Ngbwa

Johny Hycinte Ngbwa est né au Cameroun en 1995. Déménagé en Italie en 2005, il s'est intéressé à l'art dès son plus jeune âge et s'est ensuite inscrit en 2009 à l'Institut d'État d'Art de Forlì, où il obtient le diplôme de maître ès arts et le baccalauréat en décoration picturale et restauration.

Depuis 2014, il fréquente l'Académie des Beaux-Arts d'Urbino où il est diplômé en art graphique et en 2020 il obtient un diplôme de spécialiste en édition et illustration pour l'art graphique. Il exerce désormais la fonction d'enseignant au MIUR (Ministère de l'Éducation, de l'Université et de la Recherche).

bert nilson

travail en cours

 Noëlline

En cours construction…

françois oberfalcer

travail en cours

 Helen Olesker Kogan

En cours construction

Omen

travail en cours