Artistes par nom de famille : A et B.

Daniel Aïram

Artiste français né à Lyon en 1958, débute sa carrière dans les arts graphiques avant de travailler dans une imprimerie jusqu’en 1982. À partir de cette année-là, il se consacre entièrement à sa création artistique. Il vit et travaille aujourd’hui à Nice, sur la Côte d’Azur.

Ses premières expositions ont lieu à Lyon, sa ville natale. Dès les années 2000, ses œuvres commencent à circuler dans d'autres villes comme Paris, Strasbourg, et à travers l’Europe. Au fil du temps, sa pratique évolue : gravure, photographie, art multimédia sur bois, vidéo… Airam explore de multiples supports, toujours guidé par une sensibilité esthétique profonde et une grande rigueur formelle.

Son travail a su séduire un public international. Il expose régulièrement en France, mais aussi aux États-Unis, au Japon et dans plusieurs pays européens, affirmant une démarche artistique personnelle et en constante évolution.

ÉLISABETH ANDREANI

Élisabeth Andreanie est une artiste graveuse d’origine française formée aux Beaux-Arts en France, où elle a complété une majeure en gravure. C’est au sein de cet environnement qu’elle rencontre Alain Piroir, avec qui elle partage une passion profonde pour les arts imprimés. Ensemble, ils fondent en 1975 leur tout premier atelier de gravure à Paris, marquant le début d’un long parcours artistique et collaboratif.

Pionnière engagée, Élisabeth Andreanie développe une pratique raffinée de l’estampe, nourrie par un savoir-faire technique exigeant et une sensibilité artistique marquée. Sa démarche se distingue par un équilibre entre rigueur artisanale et expression personnelle, inscrivant son travail dans une tradition européenne tout en y apportant une vision singulière.

Elle est aussi la mère d’Agathe Piroir.

nathalie aplemAN

Née à Montréal, est une artiste multidisciplinaire établie dans les Cantons-de-l’Est depuis plusieurs années. Elle détient un diplôme de deuxième cycle en pratiques artistiques actuelles de l’Université de Sherbrooke. Son travail combine le cyanotype, la gomme bichromatée, la photographie argentique et numérique, ainsi que le crochet et la broderie, créant des œuvres poétiques qui explorent les liens entre nature, temps et mémoire.

Elle puise dans la collecte végétale locale, comme les fleurs et les plantes, pour réaliser des photogrammes sur papier argentique périmé. Avant leur disparition naturelle, ces images sont numérisées et retravaillées numériquement, mettant en lumière le cycle de décomposition et la transformation visuelle du vivant. Ses œuvres ont été présentées dans plusieurs galeries et musées au Québec et en Europe.

Son approche artistique affirme une esthétique méticuleuse, poétique et engagée, invitant à repenser notre rapport à l’environnement, aux images et à la durée.

julie arkinson

Julie Arkinson, originaire du Québec, est diplômée en arts visuels de l’Université Concordia en 1997. Elle vit et travaille à Montréal, où elle dessine et peint sur papier à l’huile, au fusain et au pastel. Sa pratique artistique explore le temps et ses cycles, ainsi que le corps en tant que véhicule de mémoire et de pensée. Elle a notamment présenté plusieurs séries d’expositions telles que « Entre-deux-Mondes », « Déjà-vu », « Trajectoire imaginaire du temps », « Deuils », « Éphémérides », « Corps de mémoire » et « Départs ». Les préoccupations mémorielles et temporelles sont centrales dans son œuvre, souvent intégrée à des collections privées et publiques au Québec. En 2025, elle a reçu le Prix Loto-Québec pour la démarche écoresponsable de la Biennale BIECTR. Ses œuvres soulignent la relation entre le corps, la mémoire et le temps, dans une approche visuelle profondément introspective.

Claude arsenault

Artiste montréalaise reconnue pour son engagement en faveur des pratiques écoresponsables en arts imprimés. Elle a exposé ses œuvres à Montréal (Maison de la culture du Plateau, galerie Joyce Yahouda), à Toronto (galerie John B. Aird), en France (Biennale de Sarcelles) et en Colombie-Britannique (Okanagan Print Triennial). Elle a aussi réalisé des résidences à Lafayette (Louisiane) et à Venise.

Membre de plusieurs centres d’artistes (Arprim, L’Imprimerie, Atelier Circulaire, Sagamie), elle a enseigné au Collège Dawson et poursuit aujourd’hui sa recherche à L’Imprimerie à Montréal.

Sa pratique combine estampe, livre d’artiste, sculpture et installation. Inspirée par les phénomènes hivernaux et l’espace urbain, elle transforme la photographie à travers les procédés imprimés. Dans ses œuvres récentes, elle agit comme archiviste, recontextualisant des images actuelles ou historiques pour offrir une lecture renouvelée des arts imprimés.

francis bacon

Francis Bacon est né à Dublin, en Irlande en 1909. Il a passé son enfance en Irlande et au Royaume-Uni où il a vécu de façon permanente dès 1928. L’un des plus importants peintres du vingtième siècle, connu pour ses séries de portraits et sa représentation unique du corps humain, les œuvres de l’artiste font partie des collections de grands musées tels que le musée Guggenheim de New York et la Tate Gallery de Londres.

Les œuvres de Francis Bacon sont acclamées par la critique dès le début des années quarante. En 1954 Bacon représente le Royaume-Uni aux côtés des peintres Lucian Freud et Ben Nicholson à la Biennale de Venise. D’importantes expositions et rétrospectives de l’artiste sont présentées dès les années soixante dix en Europe, au Japon, aux États-Unis et en Amérique du Sud. Francis Bacon est décédé lors d’un séjour à Madrid, en Espagne en 1992.

Julius baltazar

Né à Paris en 1949, Julius Baltazar est un artiste français dont le talent a été remarqué dès son jeune âge par Salvador Dalí, qui l’a pris sous son aile et l’a encouragé à poursuivre une carrière artistique.

Sa démarche artistique combine gravure, dessin à l’encre et crayon Arlequin, créant des œuvres hybrides entre l’estampe et la peinture. Influencé par la littérature, Baltazar entretient un dialogue fécond avec la poésie et a illustré plus de trois cents ouvrages poétiques au fil de sa carrière.

Sa production témoigne d’un univers sensible, rythmé par la matière, les mots et les traces, où le geste de l’artiste occupe une place centrale. Son œuvre est présente dans de nombreuses collections publiques prestigieuses, notamment au Canada, en Espagne, en Belgique, en Suisse, au Japon et en France, affirmant sa reconnaissance internationale et la singularité de son langage visuel.

Alain Bar

Né en 1947, est un graveur français spécialisé dans la taille douce, passionné par les thèmes du sport et du jazz. Formé à l’École des Beaux‑Arts de Valence, il y découvre le jazz, une source essentielle de son inspiration artistique. Ancien athlète, il traduit dans son art la beauté du mouvement : dépouillant ses sujets pour ne retenir que des lignes pures incarnant l’énergie gestuelle du sportif.

Il manie plusieurs techniques : eau-forte, aquatinte, burin et pointe sèche, maîtrisant l’alchimie de la gravure sur métal ou plaque. Récompensé à plusieurs reprises; Grand prix de France des Arts Plastiques, prix Henri‑Desgrange, distinctions à la Biennale de Barcelone et Madrid, il fait partie des figures majeures de la gravure contemporaine.

Fondateur de la maison d’édition Parole gravée, il crée et publie des livres d’art de haute facture, combinant ses gravures avec textes et poésie. Aujourd’hui considéré comme un artisan d’art majeur, il a lui-même formé et transmis son savoir-faire à de nombreux jeunes artistes gravant ainsi son empreinte dans le monde de l’art imprimé.

Monique Rey-barthelemy

Graveuse française née et basée à Lyon. Formée aux Beaux‑Arts dans sa ville natale, elle maîtrise diverses techniques d’impression traditionnelle et est membre de plusieurs centres d’artistes. Son univers artistique se déploie à travers des estampes abstraites et subtilement texturées, parfois évoquant l’orfèvrerie en raison de leur luxe visuel. Ses œuvres, souvent de petit format sur papier, laissent émerger des formes floues et énigmatiques – fragments de paysages, tissus froissés, scènes intérieures – qui naviguent entre perception consciente et souvenir onirique. Elle a exposé dans plusieurs lieux de diffusion, notamment à Lyon, où la douceur et la profondeur de son travail ont été largement saluées. Son approche poétique et intemporelle confère à chaque estampe une respiration silencieuse et contemplative.

Bonnie Baxter

Bonnie Baxter est une artiste interdisciplinaire née en 1946 à Texarkana, au Texas, et installée au Québec depuis 1972. Elle fonde l’Atelier du Scarabée en 1982 à Val-David, et fait partie des membres fondateurs de l’Atelier de l’Île. Titulaire d’une maîtrise en arts visuels, elle a également enseigné au sein du programme d’art imprimé de l’Université Concordia pendant plusieurs décennies.

Sa pratique artistique combine l’estampe traditionnelle, la sculpture, l’installation, la vidéo et la projection d’images. Elle est reconnue pour ses œuvres audacieuses, visuellement riches et engagées, qui abordent des enjeux sociaux et environnementaux. Sa série emblématique, RatKind, explore les relations interespèces dans une perspective à la fois dystopique et utopique.

Bonnie Baxter a exposé au Canada, aux États-Unis, en Europe et en Asie, dans de nombreuses galeries, musées et biennales. Elle a reçu plusieurs distinctions pour l’ensemble de sa carrière et son apport à l’art contemporain au Québec.

michel beAUCAGE

Michel Beaucage est un artiste peintre et graveur né à Montréal en 1958. Il est titulaire d’une maîtrise en arts visuels de l’Université du Québec à Montréal et a reçu une formation spécialisée en gravure au carborundum à Paris. Son travail navigue entre abstraction et figuration, souvent inspiré par la nature, l’architecture, ainsi que les traditions esthétiques asiatiques.

Il a développé une technique distinctive alliant papier de riz et peinture acrylique, créant des effets de transparence et de fragilité qui rappellent le verre ou les glaçures céramiques. Il enrichit souvent ses œuvres avec des collages de tissus, papiers ou éléments gravés.

Depuis plus de 25 ans, il expose régulièrement au Canada, aux États-Unis, en Europe et en Asie. Son œuvre a évolué au fil des voyages et des influences culturelles, et figure aujourd’hui dans de nombreuses collections publiques et privées, témoignant de son importance dans le paysage artistique contemporain.

hans belLmer

Hans Bellmer est né le 13 mars 1902 à Kattowitz, qui faisait à ce temps partie de l’empire allemand. L’artiste Allemand est le mieux connu pour ses sculptures de poupées prébubes ces érotiques qu’il a produit jusqu’en 1930. Il est également considéré comme un photographe surréaliste.

Étant taille normale, les poupées servent de discours sur le culte du corps féminin parfait, à ce temps très présent en Allemagne. Les corps étaient découpés, mutilés et présentés dans des poses non conventionnelles.

Le régime Nazi a déclaré son travail dégénéré et il a été force de quitter l’Allemagne pour la France où il a été bien reçu. Il s’intègre au mouvement surréaliste qui apprécient la sexualisation et la beauté féminine de ses œuvres.

Bellmer passe le reste de sa vie à Paris et abandonne ses sculptures de poupées pour faire du dessin érotique. Il explore également la gravure, la photographie, la peinture en gardant pour thème la sexualité explicite de jeunes filles.

Carol Bernier

Carol Bernier, artiste peintre québécoise, vit et travaille à Montréal, où elle s’est imposée sur la scène artistique par la force expressive de son geste et la richesse de sa palette. Diplômée en arts plastiques de l’Université du Québec à Montréal, elle explore dès les années 1990 une peinture marquée par l’abstraction et le mouvement.

Ses toiles, souvent de grande dimension, déploient des élans chromatiques qui évoquent à la fois la nature et la mémoire, tout en créant un dialogue subtil entre l’espace et la matière. La spontanéité du trait, le rythme de la couleur et la texture de la surface sont au cœur de sa démarche.

Ses œuvres, profondément sensibles et ouvertes à l’interprétation, sont exposées régulièrement à Montréal, ailleurs au Canada et à l’international. Carol Bernier occupe une place singulière dans l’art contemporain québécois par sa capacité à transmettre l’émotion pure par le geste pictural.

 elmyna bouchard

Née en 1965 à Jonquière (Saguenay–Lac-Saint-Jean, Québec), est une graveuse et artiste visuelle installée à Montréal depuis les années 1990. Elle a complété un baccalauréat en arts plastiques à l’Université du Québec à Chicoutimi en 1988. Sa démarche artistique repose sur une gravure épurée, inspirée du dessin enfantin, qui joue sur la mise en scène poétique d’images simples où l’aléatoire occupe une place essentielle.

Elle a reçu de nombreux prix, notamment le Prix de la Fondation Monique et Robert Parizeau en 2003, ainsi que des distinctions du Concours d’estampes Loto-Québec (2000), de la Biennale internationale de Trois-Rivières (2001), et du Great Canadian Printmaking Competition (2002). En 2025, elle a remporté le Prix Loto-Québec pour la démarche écoresponsable de la Biennale BIECTR. Ses œuvres figurent dans plusieurs collections publiques et privées, dont celles du Musée national des beaux-arts du Québec, Hydro-Québec, Loto-Québec, Cirque du Soleil et des grandes banques canadiennes.

Depuis plus de deux décennies, Elmyna explore les possibilités de la gravure et du dessin, incluant des projets récents qui intègrent le tissu comme forme de dessin.

Louis-pierre bougie

Louis-Pierre Bougie est un graveur et peintre québécois né à Trois-Rivières en 1946. Il a étudié en France, notamment à l’Atelier Champfleury, ainsi qu’auprès des maîtres imprimeurs Lacourière et Frélaut. Son séjour en Europe a fortement influencé sa démarche artistique, alliant une maîtrise technique rigoureuse à une sensibilité poétique marquée.

Engagé activement dans le développement de l’estampe contemporaine au Québec, il ouvre les portes de son atelier privé à Montréal à des artistes du monde entier, favorisant les échanges et les collaborations. Il est également membre fondateur de l’Atelier Circulaire, un centre de création et de diffusion dédié aux arts imprimés.

Son œuvre, à la croisée de l’abstraction et de la figuration, est présente dans de nombreuses collections publiques et privées au Canada et en France. Il a reçu plusieurs distinctions pour la qualité de son travail et son apport au rayonnement de l’art de l’estampe.

Sans-titre 4

1994 | 37 x 106 cm | Chine collé, aquatinte et burin

Sans-titre 5

1994 | 56 x 75 cm | Chine collé, aquatinte et burin

Sans-titre 6

1994 | 56 x 75 cm | Chine collé, aquatinte et burin

Sans-titre 7

1994 | 56 x 75 cm | Chine collé, aquatinte et burin

Sans-titre 8

1994 | 56 x 75 cm | Chine collé, aquatinte et burin

Sans-titre 9

1994 | 56 x 75 cm | Chine collé, aquatinte et burin

Sans-titre 21

1972 | 22 x 18 cm | Eau-forte | 20 exemplaires

Sans-titre 22

1972 | 18 x 22 cm | Eau-forte | 20 exemplaires

Sans-titre 10

2001 | 65 x 50 cm | Chine collé, aquatinte et burin

Sans-titre 11

2001 | 65 x 50 cm | Chine collé, aquatinte et burin

Sans-titre 12

2001 | 65 x 50 cm | Chine collé, aquatinte et burin

Sans-titre 13

1995 | 50 x 33 cm | Chine collé, aquatinte et burin

Sans-titre 14

1995 | 50 x 33 cm | Chine collé, aquatinte et burin

Sans-titre 15

1995 | 50 x 33 cm | Chine collé, aquatinte et burin

Sans-titre 16

1995 | 50 x 33 cm | Chine collé, aquatinte et burin

Sans-titre 17

2008 | 54 x 101 cm | Aquatinte

Sans-titre 18

2008 | 54 x 101 cm | Aquatinte

Paul Bourgault

Paul Bourgault, artiste visuel originaire du Québec, est reconnu pour l’originalité de sa démarche, qui allie des techniques traditionnelles à des esthétiques contemporaines. Diplômé de l’Université du Québec à Montréal, il développe depuis plusieurs années une pratique à la fois picturale et graphique, où la matière joue un rôle fondamental.

Ses œuvres explorent des thèmes liés à la mémoire, au territoire et à l’identité, dans une approche qui conjugue gestualité et réflexion. Depuis le début des années 2010, il expose régulièrement dans des galeries au Canada et à l’étranger, attirant l’attention d’un public curieux et de la critique spécialisée.

Son travail se distingue par sa sensibilité plastique, la richesse des textures et la force des contrastes qu’il déploie sur la surface. Paul Bourgault contribue ainsi activement à la vitalité de la scène artistique québécoise et à son rayonnement à l’échelle internationale.

mel boyaner

Mel Boyaner (1924–2020) est un artiste montréalais reconnu pour son travail en lithographie et en peinture. Il a étudié à Montréal ainsi qu’à Londres, où il a obtenu une bourse pour approfondir sa pratique de la gravure. Dès 1969, il enseigne à l’Université du Québec à Montréal, jouant un rôle déterminant dans la formation de plusieurs générations d’artistes en arts imprimés.

Actif dans le développement de l’estampe contemporaine au Québec, il est l’un des membres fondateurs de l’Atelier Circulaire, un centre de création en gravure à Montréal. Son œuvre, exposée dans de nombreuses galeries et institutions à travers le pays, se distingue par une recherche sur l’équilibre entre forme, espace et couleur.

Une exposition majeure lui a été consacrée en 1989, mettant en lumière ses œuvres sur papier et son exploration des tensions entre géométrie et abstraction. Sa carrière allie création, pédagogie et engagement artistique durable.

Gilou Brillant

Gilou Brillant, née en 1935 à Essertines en France, est une artiste graveuse reconnue pour ses compositions abstraites à la fois puissantes et sensibles. Formée à l’École des Beaux-Arts de Paris et dans plusieurs ateliers de renom, elle développe dès les années 1970 une pratique singulière centrée sur l’estampe.

Travaillant notamment l’aquatinte et le carborundum, elle crée des œuvres aux textures riches et aux contrastes marqués, évoquant parfois des paysages sous-marins ou des formes organiques en transformation. Son travail se distingue par une maîtrise technique rigoureuse et une grande liberté gestuelle.

Gilou Brillant a exposé dans de nombreuses villes à travers le monde, dont Paris, Lyon, Bruxelles, New York, Washington, São Paulo et La Paz. Ses œuvres figurent dans plusieurs collections et suscitent l’intérêt continu des collectionneurs et critiques d’art. Elle occupe une place importante dans le domaine de l’estampe contemporaine.

guillaume brisson-darveau

Guillaume Brisson-Darveau est un artiste multidisciplinaire originaire du Québec. Diplômé de l’Université Laval, il vit actuellement à Montréal, où il poursuit des études doctorales en arts à l’UQAM. Sa pratique artistique explore les notions d’espace, de perception et d’illusion à travers des installations, des sculptures et des environnements immersifs.

Il a présenté son travail au Canada ainsi qu’à l’international, notamment en Allemagne, en Écosse, en Suisse, en Espagne, au Chili et au Japon. Parmi ses expositions marquantes, on compte une participation au Museo de Arte de Santiago et au NEoN Digital Arts Festival.

Guillaume Brisson-Darveau a également pris part à plusieurs résidences d’artiste, tant au Canada qu’à l’étranger, notamment à l’Atelier Mondial en Suisse et au Banff Centre. Sa démarche, en constante évolution, témoigne d’un intérêt soutenu pour les formes hybrides et les expériences sensibles dans l’espace.

Anne brochu lambert

Anne Brochu Lambert est une artiste canadienne reconnue pour ses œuvres aux textures riches et à la forte charge poétique, souvent inspirées par la nature et les paysages québécois. Diplômée en arts visuels, elle explore les thèmes de la mémoire, du passage du temps et de l’interconnexion entre l’humain et l’environnement.

Sa pratique repose sur des techniques mixtes, combinant collages, encres, pigments naturels et objets trouvés. Elle est également passionnée par le recyclage créatif, transformant des matériaux ordinaires en compositions uniques et expressives.

Son travail a été présenté dans de nombreuses expositions au Canada et à l’étranger, et a été récompensé par plusieurs prix soulignant son approche sensible et novatrice. À travers ses œuvres, elle invite à la contemplation et propose une réflexion sur la fragilité du monde naturel et la place que nous y occupons.

kittie bruneau

Kittie Bruneau (née Marguerite Bruneau) est une peintre et graveuse québécoise née à Montréal le 12 octobre 1929 et décédée à Calgary le 6 avril 2021. Elle a étudié à l’École des beaux-arts de Montréal de 1946 à 1949, puis au Montreal School of Arts sous la direction de Ghitta Caiserman-Roth. En 1950, elle s’installe à Paris, danse avec les Ballets de Rouen et de Maurice Béjart, et fréquente l’Académie Julian, où elle développe un style influencé par le surréalisme et le post-automatisme.

En 1961, elle s’établit sur l’Île Bonaventure, en Gaspésie, où le paysage marin et l’isolement nourrissent durablement son imaginaire. Son œuvre, gestuelle et colorée, met en scène des oiseaux, poissons, figures hybrides et éléments fantastiques. Elle a aussi collaboré à plusieurs livres d’artistes avec des poètes tels que Leonard Cohen, Michaël La Chance et Françoise Bujold. Membre de l’Académie royale des arts du Canada, elle est représentée dans les grandes collections muséales du pays.

Artistes par nom de famille : c et d.

françois calvat

François Calvat, né en 1926 à Nice, est un artiste contemporain français qui vit et travaille dans le massif du Vercors, en région Auvergne–Rhône-Alpes. À partir des années 1960, il se tourne vers la sculpture et l’assemblage, en utilisant des matériaux récupérés tels que le bois brûlé, le plomb, le zinc, le caoutchouc ou le charbon de bois. Il les transforme par pliage, collage, soudure ou rivetage, créant un dialogue entre la matière, la lumière et le geste.

Son langage visuel est empreint de tension et de contraste, où le neuf côtoie l’ancien, révélant une esthétique liée à l’usure, à la mémoire industrielle et paysanne. Il a exposé notamment à Paris, avec des œuvres sculptées souvent marquées par le passage du feu ou de la hache. Son travail s’inscrit dans une démarche profondément contemporaine, enracinée dans la transformation poétique du quotidien.

jorge camacho

Jorge Camacho (1934–2011) est un peintre et graveur surréaliste cubain, né à La Havane le 5 janvier 1934 et décédé à Paris le 30 mars 2011. D’abord engagé dans des études de droit, il les abandonne en 1952 pour se consacrer entièrement à la peinture. Autodidacte, il est rapidement influencé par le surréalisme et les courants artistiques d’avant-garde.

Installé à Paris dès 1959, il développe une relation marquante avec le sculpteur Agustín Cárdenas et rencontre André Breton en 1961, ce qui lui permet d’intégrer officiellement le groupe surréaliste. Son œuvre puissante, nourrie d’occultisme, d’alchimie et d’un bestiaire imaginaire, se distingue par une force symbolique et une palette vibrante.

Il expose en Europe et en Amérique latine, notamment au Salon de Mai de La Havane. Camacho illustre également des ouvrages de poètes surréalistes et traduit des textes en français. Son travail, à la croisée du mythe et de la métaphysique, occupe une place importante dans l’histoire de l’art du XXᵉ siècle.

Audrey Casalis

Audrey Casalis, née en 1995, est une jeune artiste visuelle française, reconnue pour ses compositions abstraites et son usage vibrant de la couleur. Diplômée de l’École des Beaux-Arts de Paris, elle s’inspire autant de la tradition picturale européenne que des techniques contemporaines de collage et de numérique. Ses œuvres explorent la frontière entre figuration et non-figuration, tout en abordant des thèmes sociaux et écologiques. Depuis 2017, elle expose régulièrement dans diverses galeries françaises et internationales, suscitant l’intérêt d’un public. S’engageant pour l’accès à la culture, elle anime également des ateliers d’initiation à l’art pour les jeunes publics, partageant son expertise.

cassandra

Michelle Bertaux, connue sous le nom d'artiste Cassandra, est une artiste visuelle qui se distingue par ses œuvres délicates, souvent réalisées à partir de techniques d’impression ou de gravure. Actuellement directrice des achats pour Les maisons Victor Hugo elle combine son expertise artistique avec une vision stratégique pour enrichir la collection du musée. En tant qu'artiste, Cassandra explore des paysages abstraits, où les formes organiques et la superposition de textures et de couleurs créent une impression de mouvement et de profondeur.

Ses œuvres, comme celle présentée ici, sont le fruit d’une réflexion sur la nature et l’interaction entre matière et lumière. Les tons bleutés et les détails finement gravés évoquent une ambiance à la fois éthérée et ancrée dans le monde naturel, où la contemplation silencieuse invite le spectateur à s’immerger dans la complexité des formes. Ce lien entre la nature et l’abstraction reflète une quête de l’essence, à la fois poétique et sensorielle.

Aujourd'hui, à travers son rôle aux Maisons Victor Hugo, elle participe à la mise en lumière d'œuvres d’art, tout en poursuivant son parcours créatif, alliant subtilement son savoir-faire artistique et sa passion pour la préservation du patrimoine.

Bernard Chambon

Bernard Chambon, graveur et artiste visuel français, a obtenu en 2000 le prestigieux titre de Meilleur Ouvrier de France en gravure sur cuivre. Depuis le début des années 1990, il expose régulièrement ses œuvres, aujourd’hui présentes dans diverses collections publiques et privées en France, en Belgique, en Suisse, en Italie et au Canada. Associé à plusieurs ateliers spécialisés dans l’estampe, il allie des techniques de gravure traditionnelles (eau-forte, aquatinte) à des approches plus contemporaines. Sa pratique interroge le geste et la matière, tout en explorant la mémoire et le temps. Reconnu pour la finesse de ses lignes, il demeure une figure appréciée dans l’univers de l’estampe.

deborah chapman

Deborah Chapman, née en 1951 en Argentine, vit et travaille à Montréal, au Québec. Elle a obtenu un baccalauréat en arts visuels de l’Université du Québec à Montréal en 1990, puis s’est spécialisée en gravure en France, notamment à Paris, ainsi qu’au sein de divers centres de création artistique au Canada. En 1998, elle a complété un diplôme en infographie à Montréal.

Son œuvre, à la fois sensible et percutante, combine gravure traditionnelle, dessin numérique et installations visuelles poétiques. Elle développe un langage métaphorique riche en symboles, peuplé d’animaux stylisés et de formes oniriques. Son univers artistique évoque à la fois le rêve, la mémoire et le lien entre l’humain et le monde naturel.

Deborah Chapman a exposé son travail dans de nombreux pays, dont l’Argentine, le Canada, la Russie, l’Espagne, la Pologne, l’Indonésie, l’Ukraine et la Bulgarie. Elle a reçu plusieurs prix internationaux et participé à des résidences artistiques, notamment en Chine et au Canada.

xavier charbonneau

Xavier Charbonneau Gravel se consacre pleinement aux arts imprimés, notamment à la taille-douce et plus particulièrement à la maîtrise de la manière noire. Diplômé en scénographie de l’École nationale de théâtre du Canada, il a également collaboré à des productions scéniques d’envergure au Québec et à l’étranger.

Il a rejoint l’Atelier Circulaire après y avoir effectué une résidence d’un an en 2015, et il est également membre de l’atelier Fyns Grafiske Værksted au Danemark, où il a réalisé une résidence de courte durée en 2019, puis animé un stage sur la manière noire à l’été 2020.

Ses œuvres, imprimées avec soin, ont été exposées au Québec, au Japon et au Danemark. Ses pièces font partie des collections de l’Université Tama Art à Tokyo et des Archives nationales du Québec. Il a reçu une mention « Coup de cœur » pour son œuvre intitulée L’homme éléphant.

 Claire Cloutier

Originaire de Québec, cette artiste a grandi dans un univers marqué par l’art et la création. Par l’expérimentation et l’observation, elle a développé une démarche sensible centrée sur la lumière, les contrastes et la vibration des formes. Dans ses estampes, le geste intuitif et l’imaginaire prennent toute la place, traduisant une quête intérieure et une liberté d’expression ancrée dans le rêve et l’émotion.

paul cloutier

Paul Cloutier est un artiste peintre et graveur québécois né à Montmagny. Il a étudié à l’École des beaux-arts de Québec, puis a poursuivi sa formation dans des ateliers spécialisés aux Pays-Bas et en Californie. Il s’est imposé comme un maître de la collagraphie, une technique de gravure qu’il exploite avec finesse pour créer des œuvres lumineuses et atmosphériques.

Titulaire d’un diplôme en arts plastiques, il a participé à de nombreux ateliers internationaux et reçu plusieurs prix et bourses pour l’excellence de son travail. Ses œuvres figurent dans des collections publiques et privées de renom, dont celles du Musée des beaux-arts de Montréal, du Musée d’art contemporain de Montréal, du Cabinet des estampes et même du Louvre à Paris.

Membre de l’Académie royale des arts du Canada, Paul Cloutier vit et travaille à Montréal, où il poursuit une carrière artistique rigoureuse et inspirée.

naomi cook

Naomi B. Cook, née le 7 janvier 1982 à Etobicoke (Canada), vit et travaille entre Montréal et Paris. Elle a étudié l’art et la philosophie à l’Université Concordia à Montréal, puis a obtenu un Master en beaux-arts à l’ESADHaR du Havre, en France.

Sa démarche artistique interroge les systèmes de données massives (Big Data) à travers des méthodes visuelles poétiques, telles que le dessin, la gravure et les installations immersives. Elle transforme des ensembles complexes d’informations en environnements sensoriels, comme dans son projet « Data Suite », où chaque corpus de données est matérialisé par un objet de chambre d’hôtel. Sa pratique allie la philosophie, le son, l’image imprimée et la mise en espace.

Elle a exposé à Montréal, Toronto, Arles et Paris, dans le cadre de résidences croisées entre le Québec et la France. Son travail a été remarqué lors de la foire Papier et elle est représentée par Christie Contemporary. Elle est également membre active du Centre Clark.

frédéric cordier

Frédéric Cordier, né en 1985 à Montréal, est un artiste plasticien suisse-canadien qui vit et travaille entre Lausanne et Montréal. Diplômé en beaux-arts de l’ECAL (école cantonale d’art de Lausanne), il y obtient un baccalauréat et une maîtrise, développant une écriture visuelle inspirée par l’esthétique industrielle et les architectures fonctionnelles.

Sa pratique comprend la linogravure monumentale, le dessin sur métal perforé, le papier peint sculptural et la peinture. À travers des motifs géométriques répétés, il propose une réflexion visuelle sur notre culture numérique, entre abstraction et figuration. Son travail évoque des paysages mécaniques, urbains, souvent empreints d’une poésie brute.

Lauréat du Prix Ernest Manganel en 2008 et de la Bourse culturelle Leenaards en 2011, il expose régulièrement au Canada et en Europe, notamment à la Galerie Laroche/Joncas à Montréal, à la Foire Papier, aux Swiss Art Awards, ainsi qu’en collaboration avec l’URDLA à Lyon.

fernando costa

Fernando Costa, né en 1970 à Sarlat-la-Canéda en Dordogne, est un sculpteur-soudeur français autodidacte reconnu pour ses assemblages à partir de panneaux de signalisation recyclés. En 1998, il abandonne sa carrière dans l’hôtellerie pour se consacrer entièrement à la création artistique. Il découpe, assemble et soude des panneaux routiers usagés, créant des œuvres originales, souvent colorées, entre abstraction et figuration.

Sa première exposition à Paris en 2000 marque un tournant dans sa carrière. Il est ensuite choisi, en 2013, pour concevoir l’Art Car officielle des 24 Heures du Mans, succédant à des artistes comme César et Arman, ce qui lui confère une reconnaissance internationale. Ses œuvres ont été exposées dans plusieurs galeries, notamment à Paris, ainsi que dans des lieux emblématiques comme la Crypte Sainte-Eugénie à Biarritz. Son travail se distingue par une esthétique urbaine et contemporaine, alliant recyclage, rigueur formelle et expressivité.

marie-france cournoyer

Marie-France Cournoyer détient un baccalauréat ainsi qu’une maîtrise en arts visuels et médiatiques de l’Université du Québec à Montréal. Elle a reçu à plusieurs reprises des bourses de recherche et de création du Conseil des arts et des lettres du Québec. Elle expose régulièrement en solo au Québec, notamment à Montréal, et participe à des expositions collectives à l’international, dont à Brooklyn, New York et à Chicago.

Sa démarche artistique, intime et poétique, s’articule autour d’objets textiles, de reliques minimales, de fils, rubans ou bijoux. Ces éléments sont mis en scène comme des fragments narratifs évoquant la perte, l’absence et la mémoire personnelle. Le tissu devient alors un symbole d’identité, de passage ou de masque, transformant le quotidien en territoire symbolique.

Son travail explore les oppositions entre stabilité et chute, rêve et cauchemar, flottement et affirmation, pour créer un univers visuel empreint de délicatesse et de profondeur émotionnelle.

cécile crest

Cécile Crest est une artiste graveure installée à L’Arbresle, en région Auvergne-Rhône-Alpes. Elle travaille principalement la gravure à l’eau-forte sur cuivre et les gravures à plaque perdue, souvent en plusieurs couleurs. Ses œuvres se distinguent par leur dynamisme, leur luminosité et une grande sensibilité. Son univers artistique explore les contrastes entre le plein et le vide, le mouvement et le silence, l’optimisme et la profondeur intérieure.

Depuis 2010, elle ouvre régulièrement son atelier au public pour des démonstrations et des expositions personnelles, comme "Bella Vita" ou "Blue Note". Elle participe aussi à plusieurs salons d’art en France et à l’étranger, notamment en Roumanie, au Danemark et au Brésil. Sa pratique artistique intègre des techniques mixtes telles que l’encre, le collage, la peinture et le crayon, au service de compositions abstraites inspirées par la lumière, le mouvement et les paysages intérieurs.

Jean-Michel Cropsal

Jean‑Michel Cropsal est né au Maroc, où il passe son enfance, avant d’étudier en France et de travailler dans le domaine théâtral, notamment en scénographie et en création de costumes. En 1975, il s’installe au Canada où il poursuit ses activités pour le théâtre et la danse, tout en concevant et réalisant des vêtements. Parallèlement, il poursuit un travail personnel en dessin, en peinture et en gravure. Il expose régulièrement, seul ou en groupe, au Canada, en France et au Maroc.

Membre de l’Atelier Circulaire depuis plus de vingt ans, il y développe une pratique ancrée dans les techniques traditionnelles de l’estampe. En 2021, il présente une série d’estampes et de collages mêlant aquatinte, eau-forte et pointe sèche, dans une démarche inspirée par les calligraphies anciennes et contemporaines. Son œuvre se situe au croisement de la mémoire culturelle, de la sensibilité scénique et de la recherche visuelle contemporaine.

Sans titre 2017

2017 | 27 x 38 cm | Aquatinte, eau-forte et Pointe sèche | 7 exemplaires

lilianne daigle

Lilianne Daigle est une artiste spécialisée en estampe numérique miniature, active sur la scène artistique québécoise. Elle a participé à l’exposition « Une vision du futur » lors de la 8e Biennale internationale d’estampe numérique miniature en 2013. Elle a également exposé dans « Impressions Circulaires 2004 » chez Engramme à Québec et à « PassArt 2000 » au Centre d’exposition de Rouyn-Noranda.

Ses œuvres figurent dans plusieurs collections publiques et privées, notamment celles de la Banque Nationale, de Bibliothèque et Archives nationales du Québec (BANQ), du Groupe Investors, ainsi que dans des publications du groupe Transcontinental.

Elle a poursuivi sa formation artistique au Cégep du Vieux-Montréal, au Collège Inter-Dec, au Centre des arts Saidye Bronfman à Montréal et au George Brown College à Toronto. Elle a étudié auprès de maîtres tels que Ghitta Caiserman-Roth, Talleen Hacikyan, Evelyn Klein, Donna Miro et Pierre Tougas.

stéphan daigle

Stéphan Daigle, né à Montréal en 1951, est un artiste visuel, poète et philosophe dont la carrière s’est affirmée dès les années 1980 dans le domaine de l’illustration. Ses créations, diffusées à l’échelle internationale, lui ont valu plusieurs prix et nominations, et figurent dans des collections publiques et privées.

Depuis 2005, il développe une production exigeante mêlant estampes, peintures, sculptures et œuvres numériques, caractérisée par des dessins linéaires superposés à des fonds gestuels et dynamiques. Sa démarche artistique, à la fois poétique et symbolique, célèbre l’unité entre l’être humain et la nature vivante, en tissant des ponts entre les cultures et les imaginaires.

Engagé dans plusieurs projets de résidences artistiques, notamment à Vaudreuil-Dorion, il y conçoit des installations monumentales inspirées de l’intelligence du vivant et des paysages québécois. Son œuvre, profondément ancrée dans une vision holistique du monde, invite à la contemplation et au dialogue.

 Salvador Dalí

Salvador Dalí est un peintre, graveur et sculpteur de nationalité espagnole, né en 1904 et mort en 1989. Il est un des représentant les plus connus du surréalisme, auquel il s’est lié dans les années 1920, sur les conseils de Joan Miró. Après une période américaine, durant la Seconde Guerre mondiale, il regagne l’Espagne en 1949 et y demeure jusqu’à sa mort. Exclu du mouvement surréaliste, il se rapproche du catholicisme et développe une approche qu’il baptise le « mysticisme corpusculaire ». Les thèmes récurrents dans son œuvre sont notamment la sexualité, le rêve, la religion et sa femme Gala, qui fut longtemps sa muse.

olivier debré

Olivier Debré (1920–1999), né à Paris, est l’une des figures majeures de l’abstraction lyrique en France. Issu d’une famille intellectuelle, son père, Robert Debré, était un pédiatre renommé, et son frère Michel Debré fut Premier ministre. Il étudie l’architecture à l’École des Beaux-Arts de Paris ainsi que l’histoire à la Sorbonne, avant de se consacrer entièrement à la peinture dans les années 1940.

En 1941, une visite à l’atelier de Picasso marque un tournant décisif dans sa démarche artistique et l’oriente vers l’abstraction. Dans les années 1950, il développe les « signes-personnages », puis les « signes-paysages » dans les années 1960, caractérisés par de larges aplats de couleur et une gestuelle expressive.

Olivier Debré réalise aussi des décors de scène pour l’Opéra de Shanghai, l’Opéra de Hong Kong et la Comédie-Française. Ses œuvres figurent dans de nombreuses collections publiques internationales, notamment au Centre Pompidou et dans plusieurs musées en Europe et en Amérique du Nord.

madeline deriaz

Madeline Deriaz est une artiste visuelle installée à Saint-Camille, dans les Cantons-de-l’Est, depuis 1999. Issue d’une famille de photographes suisses, elle se passionne pour le dessin depuis l’adolescence. Elle a étudié aux Arts décoratifs et aux Beaux-Arts de Genève, où elle a obtenu un baccalauréat en 1968, puis une maîtrise en 1970. Elle immigre au Québec en 1993 et y poursuit des études universitaires, dont une recherche doctorale à l’Université de Montréal sur les liens entre l’art et le développement des aînés.

Depuis 2008, elle se consacre pleinement à sa carrière artistique et présente régulièrement ses œuvres dans des expositions individuelles et collectives au Québec, notamment à Saint-Camille, Sherbrooke et Coaticook, ainsi qu’à l’international, en Suisse, en Thaïlande, en Belgique et en Espagne. Son projet « D’un printemps à l’autre », réalisé en 2010–2011, comprend 365 petites créations inspirées du quotidien. Sa pratique mêle dessin, aquarelle, collage, impression numérique et photographie, souvent autour des thèmes de l’eau, de la nature et de la mémoire.

frédéric desaulniers

Frédéric Desaulniers, né en 1979 à Saint-Hubert, au Québec, pratique la gravure depuis 1996. Il est membre actif de l’Atelier Circulaire à Montréal ainsi que du Conseil québécois de l’estampe.

Spécialisé dans l’art animalier, il réalise des œuvres d’une grande précision technique qui célèbrent la majesté et la diversité de la faune africaine. Son style se distingue par une approche réaliste et détaillée, notamment grâce à sa maîtrise de la manière noire et de la pointe-sèche. Ces techniques lui permettent de rendre avec finesse les textures du pelage et les nuances de lumière.

Ses œuvres font partie de plusieurs collections publiques et privées au Québec. Il a également présenté son travail dans des galeries spécialisées en estampe contemporaine, notamment à Montréal, où il est représenté par l’Atelier-Galerie A. Piroir. Sa démarche, à la fois rigoureuse et sensible, contribue activement au rayonnement de la gravure figurative au Québec.

isabelle desjardins

Isabelle Desjardins, née en 1948 à Chicoutimi (aujourd’hui Saguenay), est une graveure québécoise dont plusieurs œuvres font partie de la collection du Musée national des beaux-arts du Québec. Elle combine le dessin, la gravure à la pointe sèche sur cuivre et la peinture à l’huile, naviguant entre geste spontané et grande rigueur technique.

Son univers artistique est composé de paysages imaginaires empreints de silence et de contemplation. Les textures y deviennent méditatives, évoquant des atmosphères calmes qui contrastent avec le rythme du monde contemporain.

Installée à Montréal, elle est membre de l’Atelier Circulaire depuis plusieurs décennies et contribue activement au rayonnement de la gravure contemporaine au Québec. Elle a participé à de nombreuses expositions collectives et individuelles. Parmi ses œuvres marquantes, on retrouve « Blessure bleue » (2003), qui a récemment attiré l’attention lors d’une vente aux enchères spécialisée en art imprimé.

CYNTHIA DINAN-Michell

Cynthia Dinan-Mitchell, née en 1977 à Québec, est une artiste pluridisciplinaire qui vit et travaille dans cette ville. Elle détient deux baccalauréats en arts visuels — l’un de l’Université Bishop’s et l’autre de l’Université Concordia (2002) — ainsi qu’une maîtrise en arts visuels de l’Université Laval (2007).

Son œuvre combine peinture, sérigraphie, céramique, sculpture et installation. Elle puise ses inspirations dans le baroque, les natures mortes hollandaises du XVIIᵉ siècle, le clair-obscur, le cinéma japonais et western, ainsi que l’esthétique de l’estampe. Elle a réalisé des résidences dans des centres reconnus au Canada (Imago, Sagamie, Zocalo) et à l’international (BASIS en Allemagne, Warringah en Australie, BACC en Thaïlande, Frans-Masereel en Belgique).

Elle a exposé au Canada dans divers centres d’artistes et galeries (Montréal, Québec, Jonquière), ainsi que lors d’événements tels que Manif d’art 2017 ou Orange5 (2015). Ses œuvres font partie de collections publiques, notamment au Musée national des beaux-arts du Québec et dans les collections municipales de Montréal et Longueuil, ainsi que celle de Desjardins.

albert dumouchel

Albert Dumouchel (1916–1971), né à Bellerive (Salaberry-de-Valleyfield), est une figure majeure de la gravure moderne au Québec. Dès les années 1940, il enseigne l’art graphique au Séminaire de Valleyfield et à l’Institut des arts graphiques de Montréal, où il fonde un atelier de gravure devenu une référence nationale.

Formé en gravure à Montréal ainsi qu’en estampe et lithographie à Paris, il met en place un atelier à l’École des beaux-arts de Montréal, dont il dirige la section graphique de 1960 à 1969. Pédagogue influent, il enseigne à toute une génération d’artistes, jusqu’à l’annexion de son atelier à l’UQAM en 1969.

Artiste multidisciplinaire (peintre, photographe, musicien), il participe activement au mouvement surréaliste montréalais, signant le manifeste Prisme d’yeux en 1948 et publiant la revue Les Ateliers d’arts graphiques entre 1947 et 1951. En 1955, il reçoit une bourse de l’UNESCO pour ses recherches en Europe. Il représente le Canada à la Biennale de Venise en 1960, est reçu à l’Académie des arts de Florence en 1964 et obtient la médaille du Centenaire en 1967. Ses œuvres figurent dans de nombreuses collections majeures au Québec, au Canada et à l’international.

pierre durette

Originaire de Causapscal, dans la vallée de la Matapédia, Pierre Durette est un artiste québécois qui détient un baccalauréat en arts visuels et médiatiques de l’Université du Québec à Montréal. Il s’est démarqué dès ses études en remportant le Grand Prix Albert-Dumouchel en 2004, suivi du concours Projet Insertion de l’Atelier Graff en 2005.

Son travail a été présenté dans plusieurs expositions au Québec et en Ontario, notamment au Musée d’art contemporain de Montréal et à la galerie Power Plant à Toronto. Son approche mêle rigueur technique et sensibilité conceptuelle, explorant les tensions entre image, mémoire et matérialité.

En 2009, il a reçu une bourse de recherche et création du Conseil des arts et des lettres du Québec. Récipiendaire de la bourse d’excellence Marcel-Bellerive, Pierre Durette poursuit une démarche artistique soutenue, ancrée dans les enjeux contemporains de l’image imprimée.

 Monique Dussault

Monique Dussault (née en 1929 à Québec, décédée en 2023) était une artiste-graveure québécoise reconnue pour sa maîtrise de l’eau-forte sur cuivre et de la gravure en relief, notamment sur bois. Elle était membre du Regroupement des artistes en arts visuels du Québec.

Depuis 1979, elle dirigeait les Éditions du Pôle, une maison d’édition consacrée aux livres d’artistes et aux poèmes-affiches, en collaboration avec de nombreux poètes rencontrés au fil de sa carrière. Son œuvre se distingue par une sensibilité expressive où la gravure dialogue avec le texte et la poésie visuelle.

Elle a participé à plusieurs événements marquants, tels que « Image et souffle » ou encore une exposition autour de la cabane à sucre à Vaudreuil, qui témoignent de sa démarche engagée et expérientielle. Ses œuvres figurent dans plusieurs collections publiques et privées au Québec, consolidant sa place dans le paysage de l’estampe contemporaine.

Artistes par nom de famille : E, F, g et H.

Max Ernst

Max Ernst est un peintre, graveur, collagiste et sculpteur, né à Brühl en 1891 et mort à Paris en 1976. Il a d’abord été associé aux mouvements dadaïste et surréaliste, de 1919 à 1938, période au cours de laquelle il se lie à des écrivains comme Tristan Tzara, Paul Éluard et André Breton, de même qu’à des artistes comme Joan Miró et Alberto Giacometti. Il gagne les États-Unis durant le Seconde Guerre mondiale, où il résidera jusqu’en 1953. Il y poursuit son travail d’artiste et s’adonne notamment au dripping, qui annonce le travail de Jackson Pollock. Il revient terminer sa vie en France, où il se consacre davantage à la gravure, auprès notamment de Georges Visat, à Paris, de même qu’à l’atelier Pierre Chave, à Vence.

1975 | 55 x 42 cm | Aquatinte, eau-forte et lithographie | Éditeur Georges Visat

 Diane Etienne

Diane Etienne est née en 1993 dans les creux du massif de la Chartreuse. Elle vit et travaille principalement à Grenoble et dans la région Auvergne‑Rhône‑Alpes. Formée aux métiers d’art en gravure à l’École Estienne, elle poursuit ses études aux Beaux-Arts d’Angoulême puis à Marseille, en se spécialisant en gravure et arts imprimés.

Elle cofonde l’Atelier Mille Lieues, une école itinérante des arts imprimés, et fait partie de la Super Coherent Printing Compagny, un collectif d’artistes qui gravent ensemble à dix mains. En 2022, elle mène le projet Fouilles dans le cadre d’une résidence artistique à Draguignan avec les Ateliers Médicis. Elle y crée une iconothèque visuelle collective composée d’images imprimées, de collages et de gravures sur bois, dans une approche poétique du paysage.

Engagée dans une démarche nomade et collaborative, elle développe des projets participatifs en gravure, teinture végétale, monotype et anthotype, en lien avec la mémoire locale et les récits environnementaux.

Catherine Farish

Catherine Farish, née en 1951 à Londres, est une figure importante de l’estampe contemporaine au Québec. Elle a obtenu un diplôme de l’École des beaux-arts de Montréal, ainsi qu’un baccalauréat en beaux-arts de l’Université Concordia en 1983. Pour compléter sa formation en gravure, elle étudie à Paris, à l’atelier Le Blanc.

Elle est l’une des membres fondatrices de l’Atelier Circulaire à Montréal, où elle a mené une carrière remarquable en explorant des techniques d’impression novatrices. Son travail combine gravure, collage, dessin et expérimentations avec les matériaux. Ses œuvres, souvent abstraites, se distinguent par une gestualité libre et un langage visuel poétique.

Catherine Farish a présenté plus de vingt-cinq expositions individuelles et participé à de nombreuses expositions collectives en Amérique du Nord, en Europe et en Asie. Ses œuvres figurent dans plusieurs collections publiques, notamment au Musée national des beaux-arts du Québec et à la Banque d’art du Conseil des arts du Canada.

charlotte fauteux

Charlotte Fauteux (née en 1945 à Shawinigan, Québec) est une graveure et peintre installée à Montréal depuis les années 1980. Diplômée de l’École des beaux-arts de Montréal, elle est membre honoraire fondatrice de l’Atelier Circulaire, un centre d’artistes en arts imprimés reconnu pour son excellence technique et sa collaboration entre artistes.

Son travail s’ancre dans une pratique de la taille-douce, souvent à la pointe sèche ou à l’aquatinte, où fonds texturés et motifs linéaires dialoguent dans une tension entre forme et espace. Elle décrit ses éléments dessinés comme des « sujets » qui contrastent avec le travail du fond sur lequel ils évoluent.

Présente depuis plus de trente ans sur la scène artistique montréalaise, elle expose régulièrement, seule ou en collectif. Elle a notamment participé au projet Master Printmakers, qui illustre l’importance de la gravure dans un contexte collectif et intergénérationnel.

Giuseppe Fiore favre

Giuseppe Fiore (1931‑2015), originaire de Mola di Bari en Italie, a immigré au Canada en 1952 et s’est établi à Montréal, où il a vécu jusqu’à sa mort. Diplômé de l’École des beaux-arts de Montréal dans les années 1950, il y a enseigné de 1962 à 1969 avant de devenir professeur et artiste en résidence à l’Université du Québec à Montréal (UQAM) jusqu’en 1989.

Son œuvre, multidisciplinaire, intègre la peinture à l’huile, les techniques mixtes et le travail du verre. Elle se distingue par une esthétique abstraite, poétique et méditative, axée sur les tensions entre matière et forme, entre espace et présence.

Fiore a participé à de nombreuses expositions au Québec et à l’international, notamment à l’exposition universelle d’Osaka en 1969 et à la Biennale de Menton en 1972. Ses œuvres font partie de plusieurs collections publiques importantes, dont celles du Musée national des beaux-arts du Québec et du Musée d’art contemporain de Montréal.

vittorio fiorucci

Vittorio Fiorucci (1932–2008), né à Zara (aujourd’hui Zadar en Croatie), est un affichiste montréalais d’origine italienne naturalisé canadien. Arrivé à Montréal en 1951, il devient rapidement une figure incontournable du graphisme nord-américain. Dans les années 1960, il s’impose par un style coloré, aux formes simples et expressives, qui révolutionne l’affiche culturelle québécoise.

Artiste multidisciplinaire, il travaille aussi comme illustrateur, caricaturiste, photographe, auteur de bandes dessinées, scénariste et enseignant. Il crée plusieurs icônes visuelles marquantes, notamment la mascotte Victor du festival Juste pour rire et le logo des magasins Le Château.

Son œuvre est reconnue internationalement. Il reçoit le prestigieux prix Mobius en 1998 et plusieurs distinctions du milieu du design graphique. Ses affiches font partie des collections de musées tels que le Musée d’art contemporain de Montréal et le Museum of Modern Art à New York. Une grande rétrospective lui a été consacrée au Musée McCord en 2015.

paula franzini

Paula Franzini, née à New York en 1970, est une artiste visuelle suisse-canadienne basée au Québec. Physicienne des particules de formation, elle détient un doctorat en physique, mais choisit de se consacrer entièrement aux arts visuels à partir des années 2000.

Installée à Montréal depuis 1997, elle a aussi vécu à Gatineau. Elle a étudié la peinture et le dessin à Lisbonne (Ar.Co) et à la Saidye Bronfman School of Fine Arts à Montréal. Elle a été membre de l’Atelier Circulaire pendant une quinzaine d’années et a siégé à son conseil d’administration. Depuis 2009, elle est membre active de Voix Visuelle à Ottawa, où elle agit aussi comme administratrice.

Son travail allie gravure numérique, photographie, dessin et peinture. Elle s’inspire de concepts scientifiques tels que les mathématiques, la biologie et la physique pour créer des œuvres poétiques et sensibles. Elle a participé à plusieurs biennales internationales, notamment la Biennale du Douro au Portugal.

christiane frenay

Christiane Frenay, née le 6 août 1940 en France, vit et travaille à Montréal depuis 1970. Elle a étudié à l’École des Beaux-Arts de Toulouse de 1957 à 1962, avant de vivre en Tunisie pendant une décennie, puis de s’installer au Canada. Sa pratique artistique inclut la peinture à l’huile, la collagraphie, la gravure et la sculpture.

Depuis 1985, elle est membre du Regroupement des artistes en arts visuels (RAAV) et du Regroupement pour la promotion de l’art imprimé (ARPRIM), ce qui témoigne de son engagement dans la scène québécoise des arts imprimés. Elle a exposé régulièrement au Québec, en France et en Belgique, tant en expositions individuelles que collectives, notamment à Trois-Rivières et à Montréal.

Son œuvre explore des tensions subtiles entre mémoire, forme et matière. Elle est marquée par une abstraction discrète et une riche texture gravée. Parmi ses œuvres notables figurent Traversée, Équilibre, Escaliers et Rencontre.

Marc Garneau

Marc Garneau, né en 1956 à Thetford Mines, est un artiste visuel québécois reconnu pour sa contribution majeure à l’estampe contemporaine et à la peinture. Depuis plus de quarante ans, il vit et travaille à Montréal, où il développe une œuvre rigoureuse, à la fois poétique et technique.

Son travail, ancré dans l’expérimentation des matières et des supports, allie finesse du trait, subtilité des textures et profondeur des thèmes abordés. Il a présenté plus d’une soixantaine d’expositions individuelles et participé à de nombreuses expositions collectives au Québec et à l’international.

Ses œuvres font partie de plusieurs collections publiques prestigieuses, notamment celles du Musée d’art contemporain de Montréal et du Musée national des beaux-arts du Québec. Il a également reçu plusieurs distinctions, dont le Grand Prix de la Biennale du dessin, de l’estampe et du papier matière du Québec, soulignant la qualité et la constance de sa démarche artistique.

Sans titre 1

2019 | 38 x 29 cm | Carborundum et pointe-sèche

Sans titre 2

2019 | 38 x 29 cm | Carborundum et pointe-sèche

renée gélinas

Renée Gélinas est une artiste de Montréal, peintre depuis plus de trente ans et passionnée par les arts imprimés depuis 2011, date à laquelle elle rejoint l’Atelier Circulaire, spécialisé en gravure et arts imprimés. Initialement architecte paysagiste, elle développe une approche visuelle marquée par l’abstraction, le croisement et la réutilisation de formes et matrices, inspirée notamment par le paysage québécois.

Depuis son entrée chez Atelier Circulaire, elle maîtrise plusieurs techniques telles que la linogravure, la collagraphie et la lithographie. Son travail explore les notions d’impression, de trace, de superposition de couches, et cherche à rendre visible la tension entre le mouvement libre et le contrôle formel.

Elle vit et crée entre Montréal et Miscou au Nouveau-Brunswick, où elle ancre une pratique entre mémoire du lieu et expérimentation visuelle engagée.

antoine giasson

Antoine Giasson est fondateur, créateur et directeur de l’Atelier Galerie 2112, un espace d’art autogéré établi à Montréal en 2017, dédié à la promotion et à la diffusion d’œuvres visuelles de qualité dans un cadre convivial et professionnel. Avec cette initiative, il offre aux artistes un lieu de création, de diffusion et de rencontre autour des pratiques traditionnelles et figuratives, tout en promouvant l’excellence visuelle locale.

Par ailleurs, Antoine Giasson est un artiste-entrepreneur formé en arts visuels à l’Université Concordia et à l’Université de Salamanque. Il a récemment organisé des expositions et ateliers dans son lieu, notamment un modèle vivant en 2024 financé par le Conseil des arts du Canada.

L’atelier met l’accent sur l’autonomie des artistes, la formation (ateliers de dessin et de peinture) et des expositions régulières, tout en tissant des liens avec le milieu artistique montréalais et canadien.

patrice giorda

Patrice Giorda, né à Lyon en 1952, est un peintre dont la figuration intemporelle se déploie dans une grande liberté poétique. Remarqué dès 1985 dans la sélection internationale de la XIIIe Biennale de Paris, il développe un univers pictural symbolique qui transcende paysages, portraits et natures mortes en les imprégnant de mémoire et d’intériorité. Diplômé de l’École des Beaux-Arts de Lyon dans les années 1970, Giorda puise dans le classicisme une rigueur technique qu’il conjugue à une recherche chromatique audacieuse. Selon lui, la peinture doit concilier lumière éclatante et profondeur des zones d’ombre, invitant à un dialogue intérieur. Il expose régulièrement en France et à l’international, notamment à Paris, Bruxelles, Londres et Amsterdam. Ses œuvres figurent depuis les années 1980 dans des collections publiques importantes, comme celles du Centre Pompidou. En 2022, la Fondation Renaud lui a consacré une exposition majeure autour du portrait intitulée "Ce mystérieux visage : portraits et figures".

 Raymonde Godin

Raymonde Godin, née en 1930 à Montréal et décédée en 2023, est une artiste peintre québécoise dont la carrière s’est principalement déroulée en France, où elle s’installe en 1954, dans la Drôme provençale. Son œuvre, résolument abstraite, se caractérise par une grande sensibilité chromatique, un rapport subtil à la lumière et une approche lyrique de la forme.

Elle a participé à plusieurs expositions majeures, notamment au Musée Soulages de Rodez en 2020, dans le cadre d’une exposition consacrée aux femmes artistes des années 1950. En 2022, elle est à l’honneur à la galerie Convergences à Paris.

Son travail est présent dans plusieurs collections publiques prestigieuses, dont celles du Musée national des beaux-arts du Québec, du Musée d’art contemporain de Montréal, du Musée d’art de Joliette, du Musée d’art moderne de Paris et du Musée des beaux-arts du Canada. Raymonde Godin reste une figure marquante de l’abstraction au féminin.

Carlo Guasienti

Carlo Guarienti (1923–2023), né à Trévise en Italie, est un peintre, graveur et sculpteur de renommée internationale. Il entame sa carrière artistique dans les années 1950, explorant d’abord le réalisme, le métaphysique et le surréalisme, avant de développer un style personnel mêlant abstraction, collages, reliefs et gravure. Son œuvre, profondément marquée par la tradition artistique italienne, intègre des techniques variées tout en conservant une rigueur formelle. Guarienti expose régulièrement en Italie et dans les grandes capitales artistiques européennes comme Paris, Bruxelles, Amsterdam, Genève et Londres. Il jouit d’une reconnaissance durable tant dans les galeries que sur le marché de l’art. Ses œuvres font partie de nombreuses collections publiques et privées, et ont été mises en vente dans des maisons d’enchères prestigieuses jusqu’à récemment. Sa pratique, riche et éclectique, reflète une profonde sensibilité artistique nourrie par plus de soixante-dix ans de création continue.

 Pierre Guillaume

Pierre Guillaume est un typographe et maître imprimeur d’origine française installé à Montréal à la fin des années 1950. Il épouse la graveuse Janine Leroux en 1958, qu’il avait rencontrée en 1957, et ensemble ils fondent l’atelier-école Sagitta, atelier typographique et éditorial au cœur de la scène montréalaise.

Il met en place toute la composition typographique et l’impression de textes pour de nombreux livres d’artistes produits dans les années 1970, collaborant avec des créateurs comme Roland Giguère, Françoise Condamin et Janine Leroux-Guillaume. Ses publications limitées, au tirage artisanal, sont illustrées de gravures originales et sont parties intégrantes du patrimoine québécois du livre d’artiste.

Souvent appelé « compound typographer », il joue un rôle essentiel lors de la diffusion des œuvres des graveurs montréalais, tout en assurant la transmission technique grâce à son atelier typographique.

valérie guimond

Valérie Guimond est technicienne d’atelier et chargée de cours en estampe (gravure et sérigraphie) à l’Université du Québec à Trois‑Rivières, où elle encadre également des étudiants dans des projets de création. Elle est aussi membre active de l’Atelier Presse Papier depuis plus de dix-sept ans, participant à de nombreuses expositions individuelles et collectives.

Elle donne des conférences et ateliers sur l’estampe au Brésil (São Paulo), au Mexique (Tuxtla Gutiérrez) et en Belgique (Liège). Son travail a été présenté dans des expositions solo et biennales au Canada, au Brésil, en Belgique, en Chine, en Serbie, au Danemark, en Bulgarie, au Mexique et ailleurs. Certaines de ses œuvres font partie de collections importantes, notamment la Collection du Triennal of Print ULUS à Belgrade.

Engagée dans des enjeux contemporains, elle aborde des thèmes comme l’hypersexualisation des jeunes filles à travers des images percutantes et des techniques mixtes (gravure sur bois, marquage au fer, sérigraphie).